lunes, 10 de septiembre de 2012

Pintura 1409


UNIDAD I: INTRODUCCIÓN AL ARTE Y A LAS ARTES PLÁSTICAS
1.   Concepto de Arte
Etimológicamente deriva del latín ars, que significa habilidad. Sin embargo, el arte, en un sentido más amplio del concepto, se puede definir como “lo que está hecho con excelencia”.  Engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario.
El arte es toda actividad hecha por el hombre y para el hombre que implica el desarrollo de un talento o habilidad específicos y puede contenerse de dos maneras: como “arte útil” o “arte inútil”.
Arte útil
El arte útil es todo aquello creado por el hombre con el fin de cumplir una tarea en específico, que está diseñado con excelencia y belleza pero que tiene un sentido utilitario.



Arte inútil
El arte inútil significa “el arte por el arte”, es decir, satisfacer necesidades objetivas, emocionales, intelectuales e incluso culturales que carecen de utilidad pero siempre buscando el goce personal.















Estética
El arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes lo observan; la experiencia que vivimos a través del mismo se conoce como “experiencia estética”, derivada de la disciplina dentro de la filosofía llamada Estética.
La estética se basa en la percepción con los sentidos y no desde un punto de vista racional. La palabra estética deriva del verbo latín aisthesis que significa: lo que se percibe.
La valoración de una experiencia estética, es decir, si se entra en comunión con la obra de arte, se conoce como juicio estético. Se pueden hacer juicios estéticos tales como: lo bello, lo no bello, lo feo y lo no feo. De esto depende que consideremos una obra como arte o no.

















2.   Las artes y la cultura.
La cultura es el conjunto de ideas, costumbres, tradiciones, hábitos, religión y educación que envuelven a una comunidad. Se manifiesta desde que el ser humano se relaciona con otros, no es algo que se pueda crear.
No se puede hablar de una cultura en general como parte de un amplio grupo de personas, es más bien, un término que engloba a personas cuyas características los relacionan entre sí.
El arte se relaciona con la cultura en la medida en que se necesitan una a la otra para existir; es decir, el artista es parte de la cultura y puede manifestarla a través de su obra, y al mismo tiempo él influencia ya cultura. Hoy el arte da a conocer a través de sus múltiples expresiones, las formas más características de una cultura.
Es importante especificar que el arte puede ser una representación de la cultura, sin embargo, no porque sea arte implica una manifestación cultural. Una obra puede ser artística sin tener connotación cultural.

3.    Elementos de apreciación artística.
a)    Formato: se refiere al tamaño de la obra, las medidas exactas. Señala los limites y define la zona dentro de la cual se localizan los elementos de una obra.
b)    Soporte: se refiere a la superficie donde se realiza una obra de arte, puede ser papel, tela, cartón, madera, etc.
c)    Técnica: es el medio a través del cual se expresa el artista, puede ser oleo, acuarela, colores, etc.
d)    Textura: es la calidad de la superficie de una pintura. Puede ser plana o decorada, suave o rugosa.
e)    Color: se usa para evocar diferentes efectos o sensaciones que dependen de los colores que se usan y la forma de combinarlos.
f)       Representación: realista, estilizada o semi abstracta.

UNIDAD II: ELEMENTOS PLÁSTICOS FUNDAMENTALES
1.   Forma
La forma es todo aquello que se puede ver (todo lo que tiene contorno, tamaño, color y textura), ocupa un espacio, señala una posición e indica una dirección. En las artes se usan las formas creadas basadas en la realidad (reconocibles) o abstractas (irreconocibles); dichas formas pueden haberse creado con la finalidad de transmitir un significado o bien pueden ser simplemente decorativas.
Las formas pueden percibirse de diferentes maneras, ya sea tridimensional o bidimensional.
Las formas tridimensionales son aquellas hacia las que nos podemos acercar, de la que nos podemos alejar y a la que podemos rodear, puede verse desde diferentes ángulos y distancias.
Los escritos, dibujos, decoraciones y garabateos humanos que tienen contornos y colores pueden percibirse como formas bidimensionales. Podemos considerar a las formas bidimensionales esencialmente como una creación humana para la comunicación de ideas, el recuerdo de experiencias, la expresión de sentimientos y emociones, la decoración de superficies y la transmisión de visiones artísticas.
Para visualizar una forma bidimensional se requiere del uso de puntos, líneas y planos que describan sus contornos y características de superficie. Cada método o tratamiento produce un diferente efecto visual, aunque el contorno de la forma permanezca visible.











Tipos de formas
Las formas se pueden clasificar según su contenido en:

     a)    Formas figurativas: son aquellas que contienen un tema identificable y    establecen una comunicación con el observador que puede ir más allá de lo puramente visual.






b)    Formas no figurativas o abstractas: son aquellas cuyo tema no puede definirse.




2.   Figura
En las artes, más específicamente en pintura, podemos definir una figura como un área delimitada por una línea que representa una forma. Sin embargo, es común que se usen los términos figura y forma como sinónimos a pesar de que ambos conceptos tengan significados diferentes.

Cuando a una figura se le añade volumen y grosor mediante cualquier técnica se convierte en una forma bidimensional, ya que son éstas las que exhiben algún tipo de profundidad y volumen.
En cambio, las figuras son representaciones de formas desde ángulos y distancias determinadas; una forma, por tanto, puede tener muchas figuras.


Tipos de figuras
Las figuras se clasifican de acuerdo a sus características de construcción en:

a)    Geométricas: son aquellas que se construyen de manera rígida y guardan una relación matemática.



b)    Orgánicas: son figuras que se construyen mediante el uso de líneas curvas que sugieren fluidez.












c)    Rectilíneas: las figuras rectilíneas se caracterizan por el uso de líneas rectas solamente, pero dichas líneas no tienen ninguna relación matemática en su construcción.








d)    Irregulares: son figuras que mezclan líneas curvas y rectas para su construcción.










e)    Manuscritas: se consideran solamente a las figuras caligráficas.










f)       Accidentales: son figuras que se obtienen como su nombre lo dice de manera accidental como efecto de procesos o materiales especiales.





3.   Estructura
La estructura es lo que gobierna la posición de las formas en una pintura. Por regla general impone un orden y predetermina las relaciones internas de las formas.
Podemos haber creado una pintura sin pensar conscientemente en la estructura, sin embargo, la estructura está presente siempre que hay una organización. Las estructuras pueden ser:
a)    Formal: compuesta por líneas construidas matemáticamente, donde las formas quedan organizadas con una fuerte sensación de regularidad.


 b)    Semi formal: es habitualmente regular, pero tiene cierta irregularidad que rompe con la rigidez.

c)    Informal: organizada de manera libre y espontanea.


4.   Factores de relación de las formas de una pintura
Cada una de las formas que se encuentran en una pintura se relacionan entre sí de diferentes maneras, tienen una conexión interna que permite y fomenta la experiencia estética. Los factores que definen dichas relaciones son:
a)    Dirección: depende de cómo está relacionada la forma con el espectador, con el marco de referencia o con otras formas cercanas.
b)    Posición: localización de las formas con relación a la estructura de la pintura.
c)    Espacio: el espacio puede estar ocupado por las formas y tener áreas de vacío. Puede ser liso o ilusorio para sugerir profundidad.
d)    Gravedad: atribución psicológica de pesantez o liviandad, estabilidad o inestabilidad de las formas.
e)    Medida: todas las formas tienen un tamaño que es relativo en términos de magnitud y de pequeñez, pero es físicamente medible.
f)       Representación: cuando una forma ha sido derivada de la naturaleza o del mundo hecho por el ser humano se considera representativa. Puede ser realista, estilizada o semi abstracta.





Con respecto al elemento principal, el violín:
Dirección: izquierda hacia abajo.
Posición: centrada.
Espacio: ocupado.
Gravedad: tiene pesantez.
Medida: en comparación con los demás elementos es grande.
Representación: realista.








UNIDAD III: COLOR
El color es una sensación que no está en los objetos que vemos sino en nuestros ojos, es una interpretación de nuestro cerebro después de que nuestros ojos perciben la luz reflejada por los objetos. La sensación de color se debe a la acción de ondas luminosas de muy pequeña longitud que estimulan el nervio óptico.
Para el estudio del color se han desarrollado diversas teorías cuyas características dependen de la perspectiva con la que cada una analiza el fenómeno del color. Las teorías más importantes en el ámbito del arte son: la síntesis aditiva, la síntesis sustractiva y el círculo cromático.


1. Síntesis aditiva (fundamento físico)
Esta síntesis se basa en el estudio de los colores luz que forman el espectro solar. Podemos originar dichos colores a partir de un rayo de sol que cruce a través de un prisma de cristal. En esta teoría los colores se originan sin la intervención del ser humano.
Se le conoce como síntesis aditiva por que la suma o adición de sus colores primarios agrega más luz hasta llegar al blanco que en este caso es la síntesis de todos los colores. De acuerdo a esta teoría el color negro es la ausencia de color.



2. Síntesis sustractiva (fundamento químico)
Se relaciona con los colores pigmento que se obtienen o elaboran a partir de sustancias naturales o artificiales para conseguir la sensación de color. Los pigmentos, en sí, son moléculas químicas que reflejan o transmiten la luz visible.
Esta síntesis se conoce como sustractiva porque la suma de los colores primarios resta luminosidad y origina el color negro. En la síntesis sustractiva del color el blanco es la ausencia de color.

3. Circulo cromático
El círculo cromático tiene como fundamento las síntesis de color anteriores, y es por eso que es la teoría más utilizada para la enseñanza del arte. Esta teoría consta de 6 colores principales a partir de los cuales podemos obtener cualquier color deseado.
Los colores principales del círculo cromático son:
a)    Colores primarios: conocidos como colores básicos ya que de ellos surgen todos los demás colores. Son el rojo, azul y amarillo.
b)    Colores secundarios: conocidos como colores binarios surgen de la mezcla de 2 colores primarios. Son el verde, violeta y naranja.

Los colores del círculo cromático poseen diferentes características que los hacen diferentes unos de otros, estas son:
·         Matiz: también conocido como tono, se refiere a la cualidad que nos permite diferenciar un color de otro.
·         Valor: es el grado de luminosidad de un color en función a su acercamiento (mezcla) con el blanco y el negro. Es decir, un mismo color tiene diferentes valores entre blanco y negro.
·         Intensidad: llamada también saturación, es el grado de pureza o concentración de un color. Un color tiene más intensidad a medida que sean menos los colores que componen su mezcla.


4. Combinaciones de color
La forma en que se usa el color dentro de una pintura obedece a aquello que deseemos expresar. Cuando en una composición usamos diferentes colores podemos conseguir un número infinito de efectos o sensaciones que dependen de que colores y como los combinamos.
A)   Colores armoniosos
Esta combinación se logra mediante el uso de 2 o 3 colores que se localicen suficientemente cerca en el circulo cromático para crear una composición agradable a la vista.


B)     Colores discordantes
La discordancia mas empleada, también llamada estridente o sicodélica, tiene como característica principal que los tonos que se utilizan se localizan en logares opuestos en el circulo cromático, y se conocen como colores complementarios.

UNIDAD IV: TECNICAS Y MATERIALES
1.   Grabado
a)    Técnica
El grabado es una técnica de impresión que consiste en dibujar una imagen sobre una superficie rigida llamada matriz, dejando una huella q después alojara  tinta y será transferida a presión a otra superficie como papel o tela, obteniendo así varias reproducciones del dibujo elaborado.
Existen diferentes técnicas de grabado que van desde las mas sencillas hasta algunas sumamente complicadas en cuanto al proceso de elaboración. Para este curso de Pintura realizaremos un grabado en relieve.
El grabado en relieve se consigue retirando material de la matriz con distintas herramientas, de modo que la parte que queda en el plano superior se corresponde con el dibujo, ésta se entintará y quedarán en blanco los huecos.
b)    Materiales
Para un grabado formal se necesitan diferentes materiales que están diseñados especialmente para la elaboración y aplicación de esta técnica, sin embargo, para nuestra clase de pintura requeriremos materiales alternativos que si bien no nos van a permitir una excelente manifestación técnica, nos ayudan a la descripción del proceso de grabado y a la ejemplificación del tema teórico permitiendo a los alumnos la experiencia técnica y el ahorro de presupuesto.
El material requerido será: una barra de plastilina, una botella de plástico de 300ml, periódico, resistol blanco, una pluma sin tinta, cutter, tijeras.
2.   Lápiz grafito
a)    Técnica
El lápiz de grafito es un instrumento de pintura y dibujo que consiste en una mina o barrita de pigmento de grafito mezclado con una arcilla especial y encapsulado generalmente en un cilindro de madera fino.
Los lápices se clasifican de acuerdo a la dureza o suavidad de trazo, teniendo así que los lápices “H” son los que se consideran duros y cuyo trazo es fino y claro; los lápices “B” son los considerados suaves y su trazo es grueso y oscuro. Dependiendo del número que acompaña a la letra de cada lápiz las características de cada tipo se acentúan.
Esta clasificación nos permite desarrollar una técnica de degradado usando lápices para hacer referencia al volumen de las formas de las obras. Un degradado se define como “la transición gradual de un color a otro”.

b)    Materiales
Para el uso del lápiz de grafito no es necesario ningún material particular, por lo general suele aplicarse de forma adecuada sobre cualquier superficie. Sin embargo, para la clase de Pintura se requiere de una aplicación técnica con las mejores características, por lo que el material si es especifico.
El material requerido será: papel fabriano, lápices para dibujo HB, 2B, 4B, goma de migajón, cotonetes.
3.   Papel maché
a)    Técnica
Es el nombre de una técnica artesanal originaria de China que consiste en la elaboración de objetos usando pasta de papel. Es un término que también se usa para denominar a la técnica de usar trozos de papel engomado (con pegamento) usando una base o molde para dar la forma deseada.
b)    Materiales
Para la elaboración de esta técnica se requiere papel y un adhesivo, generalmente engrudo. Sin embargo, en la clase de Pintura, usaremos resistol blanco porque la preparación e ingredientes del engrudo le dan poco tiempo de uso.
El material requerido será: papel para reciclar, 1 bola de unicel, 2 botellas de plástico iguales de 1lt, masking tape, pegamento blanco, brocha, cutter, tijeras.
4.   Tinta china
a)    Técnica
Es una tinta de invención china que se usa para hacer caligrafía. Se prepara mediante una piedra que se usa como pigmento y se mezcla con agua. Una de las formas de aplicación de la técnica se llama “aguada”, consiste en la mezcla de diferentes cantidades de tinta con agua para lograr diferentes tonalidades de gris mediante difuminaciones.
b)    Materiales
Para la aplicación de esta técnica se necesitara: un frasco de tinta china, un godete, pinceles suaves, 1/8 de ilustración.
5.   Origami (papiroflexia)
a)    Técnica
Es un arte de origen japonés que consiste en el plegado del papel para obtener formas diversas. En el origami no se usan tijeras, ni pegamento o grapas, cualquier forma de origami está elaborada solo mediante dobleces.
b)    Materiales
Los materiales requeridos para esta técnica son: hojas de colores, papel celofán azul claro, pegamento, tijeras, 2/4 de papel (fabriano u hojas de cuaderno de pintura).
6.   Pintura acrílica
a)    Técnica
Es una clase de pintura que contiene un material plastificado, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsion de un polímero acrilico. Se caracteriza por secar rápidamente y ser soluble en agua, aunque ya seca es resistente a la misma. Del mismo modo, al secar se modifica el color.
b)    Materiales
Los materiales necesarios para esta técnica son: pinturas acrílicas roja, azul, amarilla, blanca y negra, pinceles, godete, 1/8 de ilustración.
7.   Lápices de colores
a)    Técnica
Son lápices que en lugar de contener una barra de grafito como los lápices comunes, contienen una mezcla de diversas sustancias minerales y cera. Es una técnica versátil y conveniente, ya que su uso suele ser sencillo y el acabado es más fino y satinado que con un lápiz de grafito.
b)    Materiales
Para la aplicación de esta técnica se necesitan: lápices de colores, papel fabriano, goma, cutter y papel albanene.

1 comentario:

  1. para el examen de primer parcial solo se tomará en cuenta la unidad I, así que solo eso deben estudiar

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